Un bon article signé Blaise Mao dans le magazine Usbek & Rica (n°1, hiver 2012) s’interroge : “L’ère de la dérision touche-t-elle à sa fin?”. La thèse :

“En maniant cynisme et dérision, la génération Y a imposé sa vision du monde : le second degré permanent. Mais la révolte des Indignés pourrait bien sonner la fin de la récréation.”

L’auteur brocarde notamment la “culture LOL“, “culture dominante des années 2000″, issue d’Internet et ayant désormais contaminé toute la société (ou presque). Il cite à ce propos le barnum affligeant qu’est devenu le Petit Journal de Canal+ – mais les exemples ne manquent pas.

Dernier en date, le LOL déclenché autour d’un article de Nora Berra, secrétaire d’Etat chargée de la santé. Elle publie samedi dernier sur son blog une série de conseils aux populations fragiles par temps de grand froid. Son crime ? Ecrire, en début d’article :

“Je rappelle, dans le cadre de la vague de froid qui s’abat actuellement et encore pour plusieurs jours sur la France, les principales mesures à adopter en cas de grand froid, notamment pour les populations vulnérables (sans-abri, nourrissons, personnes âgées ou présentant certaines pathologies chroniques cardiovasculaires, respiratoires ou endocriniennes)”

…et continuer, quelques paragraphes plus loin :

“En cas de grand froid, je recommande aux personnes les plus vulnérables d’éviter de sortir”

Faut-il être le dernier des “loleurs” pour en conclure que Nora Berra recommande de but en blanc aux SDF “de ne pas sortir de chez eux” ? L’embêtant dans l’histoire, c’est que l’info est relayée en ces termes par des “marques médias fortes” (comme on dit) telles que les versions en ligne du Nouvel Observateur ou du Monde.

Forcément, puisqu’il est de notoriété publique que lesdites rédactions en ligne des grands titres médias sont truffées de bébés journalistes issus de la Génération Y et biberonnés au Web.

Qu’on fasse donc relire Kant à tous ces morveux, et qu’on liquide, une fois pour toutes, cette pseudo-culture du LOL (c’est, bien entendu, du second degré LOL PTDR…).

Aujourd’hui, digression à l’occasion de la lecture de Shadowplayers: The Rise & Fall of Factory Records de James Nice (2010). Le livre revient sur l’aventure du label Factory Records, de sa création à la fin des années 70 à son histoire mouvementée au cours des deux décennies suivantes.

Factory Records est emblématique des structures musicales nées au sein de la vague punk, à l’esprit do-it-yourself et farouchement opposé aux grandes maisons de disques. C’est à cette époque qu’on commence à parler des indies (les labels indépendants) face aux majors (les grands labels). Longtemps, Factory Records est resté une note de bas de page dans l’histoire du rock, au chapitre post-punk : glorieuse, certes, et même culte pour quelques-uns, mais largement ignorée du grand public, malgré le succès planétaire de quelques-uns de ses groupes phares (et particulièrement de New Order).

Et puis, en une génération, l’épiphénomène culte est devenu un phénomène de mode, quasiment mainstream. On ne compte plus les sorties de livres et de films consacrés à Factory Records ou à la scène de Manchester, et bien sûr les compilations et rééditions des enregistrements des groupes de l’époque (New Order, mais aussi Joy Division, Buzzcocks, etc.). Tout aussi significatif, une nouvelle génération de rockeurs se réclame, au début des années 2000, du son et de l’esthétique post-punk. Ces groupes post-post-punk, donc, se nomment Interpol, Bloc Party, The Killers, The Editors, et bien d’autres encore.

Pour qui a, comme moi, découvert Factory Records dans la première moitié des années 90, ce revival nostalgique déclenche des sentiments assez ambivalents. A l’époque, la musique rock et pop était dominée, voire écrasée, par le rock de stade (U2…), par le grunge (Nirvana…), ou, dans sa frange la plus extrême, par le métal (Metallica…). Avouer dans la cour du lycée qu’on écoutait Joy Division ou New Order, ça revenait, en général, à passer pour un ringard sectaire aux goûts bizarres.

Mais comme souvent peut-être dans l’histoire de la culture populaire (voir Lipstick Traces: A Secret History of the 20th Century, de Greil Marcus), ces courants souterrains qui nourrissaient toute une génération de futurs artistes, créateurs et musiciens (ou, plus simplement, représentants des classes moyenne ou aisée urbaines, futurs cadres dans la pub et le marketing) ne demandaient qu’à refaire surface, une génération plus tard. Et c’est ainsi qu’on se retrouve, dans ces années 2000, à devoir subir l’opinion catégorique de branchés de la 25ème heure, déclarant “aaadooooorer” Joy Division depuis, au moins, genre, six mois (une éternité sur l’échelle des tendances).

Mais cela nous en dit peut-être aussi long sur l’état du rock et de la pop aujourd’hui. Le mouvement punk (même s’il y avait de l’affectation derrière) prétendait faire table rase du passé, et apportait au moins indéniablement une certaine fraîcheur dans un paysage musical assez sclérosé (le rock “pompier” des 70s). Mais que penser d’une génération qui copie (et souvent, sans imagination) un courant vieux de trente-cinq ans déjà ? Quand j’étais au lycée, on avait bien conscience que le son Factory Records datait… mais de quinze ans seulement. Il ne nous ne serait jamais venu à l’idée d’écouter Jerry Lee Lewis, Eddie Cochran ou The Platters… Ou même Elvis Presley. Ne serait-ce que parce que c’était la musique de nos parents (voire même, de nos grands-parents !).

Je ne sais pas trop quelle conclusion tirer de tout ça, ni même s’il y a matière à conclure. On pourrait, en restant dans le domaine de la musique, faire tout simplement le constat que la créativité s’est déplacée vers de nouveaux horizons (musiques électroniques, hip-hop…). On pourrait aussi, en élargissant le cadre de l’analyse, observer que cette espèce de bégaiement de l’histoire est typique de nos sociétés post-modernes, rattrapées par une hypothétique “fin de l’histoire” où la notion même d’innovation et de surgissement n’aurait plus de sens, pas plus que celle de frontière générationnelle (voir, en vrac, les phénomènes de la femme cougar, les campagnes de Comptoir des Cotonniers qui habille indifféremment “la mère et la fille”, les “adulescents”, etc.).

Je conseille plutôt, à ceux qui ont du temps, de l’énergie et une curiosité de rat de bibliothèque, de se plonger dans la masse des documents engendrés par la postérité de Factory Records :

• 24h Party People, film de Michael Winterbottom (2002), avec un Steve Coogan excellent dans le rôle de Tony Wilson (l’un des deux cofondateurs de Factory Records).
• Control, film d’Anton Corbijn (2007), à l’origine photographe musical et réalisateur de clips vidéos, ayant travaillé pendant des décennies à définir l’esthétique de nombre de groupes majeurs du post-punk et de la new-wave (Joy Division, Depeche Mode, etc.). Film (un peu trop) esthétisant, centré autour du personnage de Ian Curtis (chanteur et leader du groupe Joy Division).
• Shadowplayers: The Rise & Fall of Factory Records, de James Nice (2010). Une somme minutieuse relatant toute l’histoire de Factory Records (avec quelques digressions autour de labels et artistes associés), indispensable aux puristes et aux passionnés.
• From Joy Division to New Order: The True Story of Anthony H. Wilson and Factory Records, de Mick Middles (1996, réédité en 2002). L’ancêtre du précédent, avec en plus une série d’illustrations (photos d’artistes, de concerts, d’affiches…).
• Peter Hook, bassiste de Joy Division puis de New Order, a commis un The Haçienda: How Not to Run a Club (2009). Le bouquin revient sur l’aventure du club The Haçienda, ouvert et géré par Factory Records au sommet de sa popularité, et véritable désastre financier qui entraînera finalement tout Factory dans sa chute. Pas encore lu, mais a priori indispensable aussi.
• Rip It Up and Start Again: Post-Punk 1978-1984 (2005) de Simon Reynolds. Tout est dans le titre : pour replacer l’histoire de Factory Records dans celle, plus globale, du mouvement post-punk en Europe et aux États-Unis.
• Lipstick Traces: A Secret History of the 20th Century, de Greil Marcus (1989). Ouvrage pas du tout centré sur Factory Records, mais donnant des clés de lecture à la fois académiques et pop des mouvements artistiques underground du XXème siècle. Plusieurs pages font cependant référence à Factory Records et à son inspiration situationniste. Très bien pour replacer la petite histoire de Factory au sein de la grande Histoire.
• Et, pour terminer, quelques-uns des disques phares de cette grande époque, sortis par des groupes de Factory Records ou de son entourage proche : Spiral Scratch (1977) des Buzzcocks (époque Howard Devoto), Power, Corruption & Lies (1983), un New Order très old school mais ayant plutôt mieux vieilli que bien de leurs disques plus récents, n’importe quoi de Joy Division ( les albums Unknow Pleasures, Closer…), ou encore Rays And Hail (1987), une compilation présentant le meilleur des jeunes années de Magazine (1978-1981).

Morningmeeting c’est, fin 2011, un total de près de 60 000 pages vues, 133 articles et 352 commentaires. Voici le “top” des articles écrits en 2011, en trois catégories :

Top 3 des articles les plus consultés

1. “Les Trésors du Vaudou” à la Fondation Cartier, Paris
2. Lee Ufan au musée Guggenheim, New-York
3. “Mayas : de l’aube au crépuscule” au Musée Branly, Paris

Top 3 des articles les mieux “notés”

1. “Arrête ton char, Ryan !” : chronique expéditive de Drive, de Nicolas Winding Refn (2011)
2. “Conversation” : Xu Hongfei et Abiola Akintola, Guangzhou Museum of Art, Guangzhou, Chine
3. Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv, Israël

Top 3 des articles qui gagneraient à être plus lus (catégorie 100% subjective)

1. La couleur, l’espace et le temps : Carlos Cruz-Diez au MALBA, Buenos Aires, Argentine
2. Visite privée, en avant-première, de la Gaîté Lyrique
3. “Mondrian/De Stijl” au Centre Pompidou, Paris

Tiens, quelle ironie : artiste vénézuélien de naissance, Carlos Cruz-Diez vit et travaille essentiellement à… Paris depuis 1960 ! Le Centre Pompidou, à 2mn en Vélib’ du bureau, lui a rendu hommage de nombreuses fois, et il m’aura fallu un déplacement à Buenos Aires pour le boulot pour faire connaissance avec son œuvre…

Autre hasard amusant, Carlos Cruz-Diez a débuté dans la pub, devenant notamment directeur de création chez McCann-Erickson au Venezuela, avant de pouvoir se consacrer uniquement à l’art.

Son travail artistique, justement, est assez facile à situer. Il se rattache au mouvement “cinétique” ou de “l’art optique” (“Op-Art”), auquel on rattache notamment un certain Victor Vasarely – autre artiste étranger ayant vécu en France, mais davantage célèbre dans notre pays. On retrouve ainsi chez Carlos Cruz-Diez le jeu de couleurs, de figures géométriques créant une impression de profondeur ou de mouvement, mais le résultat paraît infiniment plus poétique et intemporel que celui de Vasarely. Ou peut-être est-ce le revers d’avoir vu trop longtemps exposées les œuvres du Hongrois au dos des panneaux JC Decaux étant enfant ?

Cela dit, comme Vasarely, Cruz-Diez franchit très rapidement le pas qui sépare ses canevas des grands projets de design urbain. Stations hydroélectriques, silos à grains, palissades, paquebot… : la rétrospective itinérante montée à Houston et hébergée en ce moment au MALBA (Musée d’art latino-américain) présente, dans ses dernières salles, quelques maquettes et réalisations filmées.

Mais le gros de l’exposition est consacré avant tout à ses recherches picturales. On est tout de suite saisi par les tableaux de sa série Fisicromías (Physicromies) : extraordinaires et pourtant toutes bêtes explosions de couleurs en 3D, peintes à même la toile, ou assemblées à partir de petites baguettes de carton peintes, de balsa, de lamelles de PVC translucide teint dans la masse, etc. Réalisations tellement fascinantes à l’œil qu’en voir une reproduction sur Internet est forcément décevant, je n’essaierai même pas… Je ne sais pas si c’est le steak de bœuf argentin et son verre de Malbec qui m’ont fait cet effet,  mais cet après-midi là, je suis resté scotché de longues minutes durant devant chacun des tableaux…

En observant le détail des couleurs et le chatoiement des illusions optiques, je ne pouvais m’empêcher de repenser à La couleur tombée du ciel, un des premiers récits hallucinés de H.P. Lovecraft, où il est question d’une couleur qui n’existe pas sur terre. Bien sûr, chez Lovecraft, les implications en sont sinistres, mais en ce qui concerne Carlos Cruz-Diez, il s’agit sans doute de relever un des plus grands défis qui soient : “inventer une couleur qui n’existe pas…”

Exposition “El color en el espacio y en el tiempo” : MALBA, Buenos Aires, du 21 septembre 2011 au 5 mars 2012.

Information pratiques et renseignements sur le site du MALBA (en anglais). Plus d’informations sur Carlos Cruz-Diez sur son site web officiel.

On a déjà parlé d’Edvard Munch sur Morningmeeting, pour un clin d’oeil au Cri, son tableau le plus célèbre, ou encore pour un compte-rendu de la désastreuse expo Edvard Munch ou “l’Anti-Cri” à la Pinacothèque de Paris. Cette fois-ci, c’est le Centre Pompidou qui s’y attaque, avec pour ambition de montrer que Munch (1863-1944), qu’on rattache souvent au XIXème siècle, était bel et bien un artiste du XXème siècle – au sens propre (la majeure de partie de ses œuvres a été réalisée après 1900) et figuré (ses préoccupations, ses idées, ses recherches esthétiques sont celles d’un homme du XXème siècle).

Thèse intéressante, et pour le coup, vraiment complémentaire de celle de l’expo de la Pinacothèque. Le résultat ? Un parcours vaguement chronologique, mais surtout thématique, montrant les thèses et obsessions de l’artiste, et les connexions de celles-ci avec le monde moderne. Courants d’idées, photographie, et même cinéma : Edvard Munch était branché sur tout ça. A rebours de l’image souvent véhiculée d’un Munch romantique, replié sur lui-même, solitaire et névrosé.

Ah, et toujours pas de Cri en vue, malheureusement… Il en existe pourtant plusieurs versions, Edvard Munch ayant eu, entre autres obsessions, celle de revenir plusieurs fois sur certains sujets et motifs : le Cri, donc, mais aussi Vampire, L’Enfant malade, Jeunes filles sur le pont, etc. N’empêche : Munch se faisant rare en France (peut-être trois ou quatre expos lui ont été consacrées depuis sa mort, soit depuis plus de soixante-cinq ans…), on aurait apprécié, au risque de passer pour un plouc.

A défaut, on prêtera plus particulièrement attention aux pièces suivantes :

• Salles 1 & 2, “Prologue” et “Reprises” : elles mettent en scène six tableaux emblématiques, au motif repris et retravaillé par Munch jusqu’à l’obsession (dix versions différentes de Vampire). S’attarder plus particulièrement sur L’Enfant malade (1896) et Vampire (1893), donc.

• Salle 4, “L’espace optique” : regroupe des tableaux à la composition (perspectives, cadrage, dynamisme) résolument “moderne”. Voir en particulier Meurtre sur la route (1919) et La vigne vierge rouge (1898-1900).

• Salle 9, “Le monde extérieur” : ici s’affirme en particulier la volonté de montrer l’ouverture d’Edvard Munch au monde qui l’entoure. Événements relatés dans les journaux, comme les grèves et conflits sociaux, mouvements de foule, etc. – voir notamment le superbe Marins dans la neige (1910-1912). Bagarres dans lesquelles il est impliqué – voir La Bagarre 1932-1935, et ce personnage jaune qui ferait presque de lui le précurseur des Simpsons…

• Salle 10, “Dessiner-photographier” : Munch s’intéresse à la controverse peinture vs. photo. Il se préoccupe du statut de l’œuvre d’art, et de ce qui lui advient “à l’époque de sa reproductibilité technique” (titre d’un essai de Walter Benjamin daté de 1935). Sa série d’autoportraits pris à bout de bras, en retournant l’appareil sur lui-même (un geste aujourd’hui banal), est apparemment la première du genre dans l’histoire de la photo.

• Salle 12, “Le regard retourné” : on culmine dans la modernité avec ces autoportraits (peints, cette fois-ci), dont la plupart datent de la fin de sa vie et portent effectivement l’empreinte de la mort imminente. Voir en particulier le très fameux Autoportrait entre l’horloge et le lit (1940-1943), mais aussi Le Noctambule (1923-1924), tout aussi frappant.

Exposition “Edvard Munch, l’œil moderne” : Centre Pompidou, Paris, du 21 septembre 2011 au 9 janvier 2012.

Information pratiques et renseignements sur le site du Centre Pompidou.

Pas terrible, ce film, malgré quelques passages et ambiances inspirés. Des longueurs, des maladresses, et une musique relou qui ne fait que souligner lesdites longueurs et faiblesses. Après renseignement, j’apprends que certains titres ont été signés par un certain Kavinsky. C’est le nom d’artiste d’un musicien/DJ bien de chez nous qui s’est mis en tête de recréer un son typiquement années 80 (néo-disco jouée sur des synthés tout pourris…).

Ça colle parfaitement avec l’esthétique et le propos du film lui-même, qui est, lit-on ici ou là, une relecture des séries B de la fin des années 70, ou des films de Michael Mann des années 80 (Le solitaire, tout ça…). Mon problème, c’est que les années 70/80 en général, et ces années 70/80-là en particulier (l’esthétique kitsch, les synthés insupportables, le caractère pop clinquant des images et du son), je ne les aime pas du tout. Et que dans le genre cinématographique de l’alternance zen/ultra-violence en milieu interlope, avec personnage principal cultivant son jardin secret (son amour pour une femme…), Hana-Bi faisait cent fois mieux, il y a quinze ans déjà…

D’ailleurs, en cherchant bien, on ferait remonter à la surface une foule immense de références déjà usées au cinéma (le héros silencieux à la Dirty Harry… le justicier solitaire… la violence crue… les plans romantiques cucul…). Il paraît qu’on appelle ça un hommage, quand on aime bien. Moi, j’ai juste trouvé ça assez ennuyeux par moments.

Moralité : Drive est un film anecdotique, englué dans l’hommage, où on s’emmerde un peu entre deux-trois jolies choses. En revanche, il est peut-être urgent de (re)voir Hana-Bi, de l’estimable Takeshi Kitano.

Drive, de Nicolas Winding Refn, avec Ryan Gosling, Carey Mulligan. Sorti en France le 05/10/2011.

Classé dans:Canal artistique Tagged: cinéma, Drive, Hana-Bi, Nicolas Winding Refn, Ryan Gosling, Takeshi Kitano ]]> http://morningmeeting.fr/2011/10/26/arrete-ton-char-ryan-chronique-expeditive-de-drive-de-nicolas-winding-refn-2011/feed/ 5 morningmeeting Ryan Gosling in Drive, Nicolas Winding Refn, 2011 http://morningmeeting.fr/2011/10/21/nouveau-design-pour-morningmeeting-enfin-la/ http://morningmeeting.fr/2011/10/21/nouveau-design-pour-morningmeeting-enfin-la/#comments Fri, 21 Oct 2011 09:20:14 +0000 morningmeeting http://morningmeeting.fr/?p=3006 ]]> Après plusieurs tentatives et essais cet été, Morningmeeting a enfin trouvé son nouveau design, nouveau format…

Ne reste plus qu’à suivre côté “fond” : plus d’articles et de chroniques, de nouvelles interviews dans la série Artmeeting, etc.

A suivre, en s’abonnant au blog (en haut de la colonne de droite) et/ou en suivant Morningmeeting sur Twitter !

Ouverture demain, pour quatre jours, de la Foire Internationale de l’Art Contemporain (FIAC), édition 2011. Un événement que, paradoxalement, je ne suis que de très loin chaque année : jamais dispo ce week-end là, tarif d’entrée au Grand Palais un peu élevé, peu de goût pour les très grandes messes et les événements incontournables… les (bonnes) (mauvaises) raisons ne manquent pas.

Je relève cependant au passage cette information figurant dans la newsletter TimeToSignOff Paris de ce soir :

Le chiffre d’affaires mondial de l’art contemporain était de 92 millions € en 2000, pour le seul premier semestre 2011, il atteint 500 millions

Je me dis, certes, un milliard d’euros en 2011, quelle croissance en dix ans ! Et en même temps, je ne peux m’empêcher de trouver ça modeste par rapport à d’autres marchés. Comme, par exemple, le marché mondial des études marketing et d’opinion (environ 30 milliards de dollars, soit 22 milliards d’euros en 2009), ou le chiffre d’affaires du Groupe L’Oréal à lui tout seul (environ 20 milliards d’euros à lui seul en 2010).

Je m’attendais à plus. Alors, art business, oui, mais tout est relatif…

Ai Weiwei, artiste chinois dissident, emprisonné pendant 81 jours par les autorités en début d’année, vient d’être nommé en tête de la “Power 100 list” (liste des 100 artistes les plus “puissants”, ou, plutôt, “influents”) du magazine ArtReview.

Interrogé par la BBC, Ai Weiwei aurait déclaré : “je ne me sens pas influent du tout”. Un aveu d’humilité pour un artiste qui a été distingué autant pour son parcours artistique que pour son courage politique.

Les autorités chinoises auraient critiqué ce choix en arguant d’une sélection “politiquement biaisée”. Tu m’étonnes.

Félicitations en tout cas à Ai Weiwei, dont le projet Sunflower Seeds à la Tate Modern l’hiver dernier avait enthousiasmé Morningmeeting !

Voici un musée entièrement dédié aux artistes américains modernes (plus de 19 000 œuvres produites du début du XXème siècle à nos jours). Les collections permanentes ont à mon avis un intérêt historique essentiellement. On y voit les premières œuvres conçues de l’autre côté de l’Atlantique et ayant pour ambition de “rivaliser” avec celles produites en Europe.

On y suit aussi la naissance et le développement d’une des toutes premières collections privées d’envergure aux États-Unis, entreprise dans l’entre-deux-guerres par Gertrude Vanderbilt Whitney, sculptrice et mécène incontournable. Cela dit, la puissance artistique et esthétique des œuvres n’est pas toujours au rendez-vous.

L’exposition temporaire Lyonel Feininger: At the Edge of the World est d’une toute autre trempe. L’occasion de découvrir cet artiste, né à New-York, d’origine allemande, et ayant fait plusieurs allers-retours entre son pays natal et l’Allemagne, poussé par les circonstances politiques (avènement du IIIème Reich et persécution des artistes modernes…).

Rattaché au mouvement du Bauhaus et des Expressionnistes allemands, Lyonel Feininger, également dessinateur et caricaturiste de presse, conçoit des œuvres vraiment bluffantes. La patte à la fois médiévale et cubiste de tableaux comme Carnival in Arcueil (1911) ou A Village Near Paris (Street in Paris) (1909) est tout simplement confondante.

Tout comme sa mise en scène d’un monde miniature, fait de modèles réduits en bois peint (Figures and Houses). Un vrai témoignage d’un monde à la fois moderne et tout de même empli de mystères, à la frontière de l’enfance, du rêve, et de la réalité matérielle d’un XXème siècle industriel et besogneux.

Sa période “cubiste analytique”, en revanche, convainc moins.

En cours également depuis le 16 décembre 2010, Singular Visions. Ici, des artistes contemporains exposent leur “vision singulière”.

Je retiens Sepulcher (Viking Burial Ship) (2004), de Matthew Day Jackson. L’artiste y met en scène une sorte d’adieu à l’adolescence : ce “bateau funéraire viking” contient une tenue de viking fantaisie (du genre de celles portées par les musiciens de Black Metal), les voiles sont faites de T-shirts rock, etc.

A voir également, 1st Light (2005) de Paul Chan. Une vidéo projetée au sol, mettant en scène une sorte d’aspiration géante d’une ville : débris, wagons, scooters, téléphones portables, silhouettes humaines, etc. traversent l’écran de bas en haut, comme aspirés par une force irrésistible.

Une formidable évocation poétique des forces de destruction à l’oeuvre dans nos sociétés contemporaines, traitée en ombres chinoises, rappelant l’âge d’or du cinéma noir et blanc muet. L’oeuvre, exposée à Beaubourg en 2008, est encore visible sur le site du Centre Pompidou.

Exposition Lyonel Feininger: At the Edge of the World : Whitney Museum of American Art, New-York, du 30 juin au 16 octobre 2011.

Exposition Singular Visions : Whitney Museum of American Art, New-York, depuis le 16 décembre 2010.

Information pratiques et renseignements sur le site du Whitney Museum of American Art.

Lee Ufan se présente comme un “artiste-philosophe”. “Philosopher, c’est créer des concepts”, disait Gilles Deleuze. Logiquement, on dira donc que l’oeuvre de Lee Ufan est largement “conceptuelle”. Plus précisément, elle s’inscrit dans le mouvement Mono-ha ou “école des choses”, un mouvement artistique de la fin des années 60/début des années 70 né au Japon (Lee Ufan a vécu et travaillé en Corée, au Japon et en France principalement). On pourrait rapprocher ce mouvement de l’Arte Povera italien ou de la mouvance Post-minimalism aux Etats-Unis.

Voilà pour les présentations savantes. Qu’est-ce que ça donne, sinon ? Une série d’œuvres effectivement minimalistes, mettant en scène, faisant “dialoguer” des traits de pinceau sur la toile, ou des éléments rassemblés sur le sol : pierres, plaques de verre, de métal, nuages de matière cotonneuse…

La série From Point (1972-1984) essaie de matérialiser, de rendre palpable le passage du temps : l’artiste trempe son pinceau dans le pot de peinture, puis brosse une série de points de couleur de gauche à droite sur une toile. La couleur s’estompe à mesure que la couleur se dépose, illustrant ainsi visuellement le passage du temps nécessaire à la production de l’œuvre.
Ce genre de toile s’accommode très bien de l’architecture du Guggenheim (la fameuse structure bauhaus en colimaçon blanc qu’on voit dans de nombreux films tournés à New-York) : la progression des points sur la toile suit ici la progression du spectateur dans l’expo, depuis le rez-de-chaussée jusqu’au sixième étage, dans un mouvement ascendant continu, en sens inverse des aiguilles d’une montre.

A partir de 1968, Lee Ufan baptise toutes ses créations Relatum (relation), et va même jusqu’à renommer ses œuvres antérieures. Toutes ses œuvres explorent en effet une mise en relation entre les différents éléments disposés : la pierre et le métal, le verre et la pierre, le coton et le métal…
Un Relatum créé en 1979 (et recréé pour le Guggenheim en 2011) consiste par exemple en une masse de coton dont émergent de fines tiges d’acier rouillées. On dirait que Lee Ufan “fait le lit de nos certitudes”. Un autre consiste à déposer une pierre sur une plaque de verre qui se fendille sous le poids (Relatum, 1968-2011).

En résumé, un bon exemple d’art contemporain, pas évident d’accès, mais sublimé par la scénographie et le lieu. On s’y précipite pour flâner et méditer.

Exposition Lee Ufan: Marking Infinity : Guggenheim Museum New-York, du 24 juin au 28 septembre 2011.

Information pratiques et renseignements sur le site du Guggenheim.

Jamais deux sans trois. Troisième expo dédiée aux “arts premiers” visitée en trois mois : après Dogon (quai Branly) et Vaudou (Fondation Cartier), voici donc Mayas, au quai Branly également.

Il s’agit cette fois des collections nationales du Guatemala consacrées à la civilisation Maya, une des plus anciennes et des plus prestigieuses civilisations pré-colombiennes. Je ne peux pas m’empêcher de trouver le timing de l’opération bien trouvé, vu le faible niveau de connaissance que nous avons de ce pays, et vu la récente annulation de l’exposition de masques de jade mexicains, prévue à la Pinacothèque de Paris, et déprogrammée en raison “de la dégradation des relations (du Mexique) avec la France” (l’affaire Florence Cassez).

Bien sûr, les deux événements ne sont probablement pas liés, et il y a sûrement autant de différences entre le Mexique et le Guatemala qu’entre (au hasard) les Pays-Bas et la Pologne. Mais ça fait du bien de temps en temps de raisonner en citoyen lambda et nombriliste, et de se laisser aller à constater qu’une expo “latino-américaine” chasse l’autre. Comme disait Charles Maurras :

“gardons nos préjugés, ils nous tiennent chaud”

L’expo est scénarisée dans la droite ligne de ce que propose le quai Branly : une mise en perspective historique et anthropologique, qui n’oublie pas de mettre également l’accent sur les qualités artistiques des pièces présentées (statuettes, objets du quotidien ou de rituels sacrés, etc.).

Je sature un peu question arts premiers pour entrer dans les détails anthropologiques et historiques au sujet de l’expo (même si elle en vaut la peine). Je me contenterais d’observer à quel point être “exposé” à toutes ces productions culturelles et “civilisationnelles” (je pense à Dogon, Vaudou et Mayas, donc) nous rappelle le lien étroit entre politique et projet de société d’une part, et normes esthétiques et productions culturelles d’autre part. Cela éclaire d’une façon immédiatement sensible et facile à appréhender les contours d’une civilisation, selon que la production artistique vienne illustrer ou renforcer des aspects du pouvoir en place (commandes passées par les puissants, objets rituels servant à asseoir la domination d’une caste religieuse ou royale, etc.), ou, au contraire, qu’elle en marque la dégénérescence, voire la contestation.

Puisque je suis en veine de références sulfureuses et qui tombent comme un cheveu sur la soupe, cela me rappelle ce qu’Alain de Benoist avait souhaité développer dans les années 70 avec la fondation du GRECE et de ce qui allait devenir la “Nouvelle Droite”.  Reprenant les thèses d’Antonio Gramsci (notamment la notion de “métapolitique”), la Nouvelle Droite établissait l’importance de diffuser dans la société au sens large des valeurs et des idées à visée non strictement politique, mais préparant le terreau d’un avènement politique futur. En termes plus triviaux, cela consistait à considérer qu’il n’y avait pas de raison de laisser le champ artistique et culturel à la gauche, et de battre en brèche le préjugé selon lequel la culture serait de gauche (et l’économie de droite, selon la même logique).

Bref, pour prendre un peu de hauteur, et considérer tout ça d’un point de vue plus historique et dans un temps plus long, courez au quai Branly ou à la Fondation Cartier !

Exposition Mayas : musée du quai Branly, du 21 juin au 2 octobre 2011.

Information pratiques et renseignements sur le site du musée du quai Branly.

Classé dans:Canal artistique, Canal politique Tagged: Alain de Benoist, Amérique Latine, Antonio Gramsci, Art, arts premiers, civilisation, exposition, GRECE, Guatemala, Maya, métapolitique, musée du quai Branly, Nouvelle Droite, Paris, quai Branly, statuaire, statues ]]> http://morningmeeting.fr/2011/07/19/exposition-mayas-de-laube-au-crepuscule-musee-du-quai-branly-du-21-juin-au-2-octobre-2011/feed/ 1 morningmeeting Exposition Mayas, de l'Aube au Crépuscule - Musée du quai Branly, 2011 http://morningmeeting.fr/2011/07/12/exposition-les-tresors-du-vaudou-fondation-cartier-paris-du-5-avril-au-25-septembre-2011/ http://morningmeeting.fr/2011/07/12/exposition-les-tresors-du-vaudou-fondation-cartier-paris-du-5-avril-au-25-septembre-2011/#comments Tue, 12 Jul 2011 17:07:56 +0000 morningmeeting http://morningmeeting.fr/?p=2841 ]]> Attention à ceux qui auraient baissé la garde suite à la programmation souvent pop de la Fondation Cartier : l’exposition Les Trésors du Vaudou nous propulse dans un univers radicalement différent de celui de la BD, des cinéastes touche-à-tout Takeshi Kitano et David Lynch, ou du rock’n'roll période années 50-60.

Avec un titre pareil, “Vaudou”, on aurait pu imaginer une expo balayant les continents (de l’Afrique noire, berceau de cette croyance, aux Caraïbes et aux Amériques), les époques (de l’âge d’or de l’esclavage et du commerce triangulaire à la période contemporaine), et les cultures (des croyances religieuses originelles aux réinterprétations opérées par la culture pop : films, livres, séries…). Voire même, pourquoi pas, un peu de Monsieur Charles ou de Mamadou Voyant.

Eh bien non.

Il faut retourner aux origines pour bien comprendre la nature de cette exposition, et à la personne de Jacques Kerchache. Collectionneur d’art, passionné d’anthropologie, il aurait été l’inventeur de l’expression “arts premiers”. Il a joué un rôle important dans la connaissance des arts africains, et fut consulté par Jacques Chirac lors du lancement du Musée des Arts et civilisations non occidentales du Quai Branly. Décédé en 2001, il ne verra jamais le projet achevé.

Jacques Kerchache était soutenu depuis de longues années par la Fondation Cartier. Lorsqu’il décède en 2001, son grand rêve (exposer sa collection privée) reste inachevé. Dix ans après sa mort, la Fondation Cartier entreprend de réaliser ce rêve afin de lui rendre hommage.

Résultat : l’expo, constituée de statues et statuettes vaudou ayant appartenu à Jacques Kerchache, est relativement peu fournie en pièces (environ quatre-vingt en tout) et se visite assez rapidement. Le point de vue adopté est très précis : il s’agit de mettre en scène le vaudou originel, soit une région comprenant le Bénin et une partie du Togo (à l’ouest) et du Nigeria  (à l’est). En plus des statues, exposées au sous-sol et au rez-de-chaussée, des films documentaires, notes et ouvrages réalisés par Jacques Kerchache sont présentés au public.

Verdict ? Les pièces sont puissantes et valent le détour. Les explications sont un peu lacunaires : un livret propose quelques éclairages sur la collection Kerchache, sur les principaux types de statuettes et leur fonction, mais l’ensemble reste un peu léger.

Le parti-pris est finalement assez proche de l’expo Dogon au Quai Branly : des pièces de très grande qualité, une mise en scène sobre et sérieuse, un peu raide et scientifique. Mais Vaudou souffre en comparaison de sa moindre richesse : peu de pièces présentées, assez peu diverses.

Bref, l’expo vaut le détour, ne serait-ce que pour l’authenticité et la qualité des pièces, mais il faut l’envisager pour ce qu’elle est : pas un point de vue ou une rétrospective complète, plutôt la chance qui nous est donnée de jeter un coup d’œil sur une collection privée, qu’à ce titre bien peu auront vue.

Et pour la culture pop ou le vaudou de Barbès, on repassera…

Exposition Les Trésors du Vaudou : Fondation Cartier, Paris, du 5 avril au 25 septembre 2011.

Information pratiques et renseignements sur le site de la Fondation Cartier.

Les flyers de marabouts africains en lien dans l’article sont issus du site Mégabambou (Marabouts de Papier) qui en possède une collection gratinée.

Un musée vaste et éclectique, dont les collections et expositions couvrent aussi bien la période moderne proprement dite (XIX-XXème), que des artistes plus contemporains. On peut y voir des Picasso, Matisse, Van Gogh, etc.

Mais “à Rome, fait comme les Romains” : j’ai donc consacré ma visite aux expositions temporaires d’artistes israéliens. Et la production est plutôt pas mal, jugez-en par vous-même :

• Ignorant Field (du 22 mars au 23 juillet 2011) présente des œuvres récentes de Sharon Poliakine, lauréate 2010 du Rappaport Prize for an Established Israeli Painter. Toutes les oeuvres exposées ont été réalisées dans l’année écoulée.
  Le style des peintures (puisqu’il s’agit essentiellement de tableaux) de Sharon Poliakine est particulièrement reconnaissable : technique fondée sur le dessin, rehaussée de gravures dans l’épaisseur de la couche de peinture, et parfois complétée d’objets collés à même le canevas. Elle utilise certains motifs ou matériaux récurrents, tels que les tubes de peinture ou les oiseaux. Elle utilise également des motifs type “toile de Jouy”, façon papier peint et litho-gravure.
  Il y a des petits formats bien soignés, mais tout n’est pas qu’art de la dentelle et dessin intimiste. Elle se montre très à l’aise avec les grands, voire très grands formats, très colorés. Et elle n’a pas peur de se frotter aux “maîtres anciens” (Dürer, Ucello, Raphaël, Goya, etc.) et aux sujets audacieux, comme cette réinterprétation du Radeau de la Méduse de Géricault (Ghost Image IV, 2011).

• Ailleurs dans le musée, la “Ruth and Bruce Rappaport Sculpture Gallery” présente RealityTrauma (du 19 mars au 23 juillet), une série photo d’Avi Ganor, photographe israélien.
  Il s’agit de tirages grand format de photos prises en Israël, portant toutes en leur centre le surtitrage RealityTrauma. Elles mettent en scène une confrontation du réel, un réel trop prosaïque pour être totalement honnête – d’où le “trauma”…
  La technique particulière utilisée (je n’ai pas les mots justes pour parler photographie…) semble organiser à dessin des zones de surexposition, des flous, qui à eux seuls feraient naître un sentiment de bizarre diffus : un corbeau se détachant (trop) nettement d’un groupe de danseurs de tango (Tango with a Crow, 2006), voire, une sensation de menace quasi-explicite : un corps bâché sur une promenade de bord de mer (Homage to Hippolyte Bayard, 2008), ou encore, un avion de ligne, escorté par des avions de chasse, et passant près du sol et de familles lambda traînant poussettes et kilos en trop sur un parking (de centre commercial ?) (Families, 2008).
  Le tour de force, d’après mon œil peu exercé, semble être le travail sur l’exposition (sur- ou sous-exposition, très ou trop peu sombre, beaucoup de contrastes…), et l’absence manifeste de recours (ou de façon très limitée) à Photoshop. C’est un point de distinction flagrant avec la série Guerre Ici de Patrick Chauvel, montrant des superpositions d’un Paris de carte postale et de scènes de guerre, pour un résultat beaucoup plus “choc”, mais peut-être moins subtil.

• Troisième expo en cours, Two-Thousand and Eleven présente des peintures d’Oren Eliav, lauréat 2010 du Rappaport Prize for a young Israeli Painter. Des œuvres entre Francis Bacon (le fondu, le flou des visages, des corps) et Gustave Moreau (les atmosphères gothique et onirique, sombres et colorées à la fois). La série Listener notamment consiste en portraits “à l’écoute” de personnages comme copiés de tableaux anciens (collerettes, etc.). Un ensemble moins convaincant malgré tout que les oeuvres présentées par Avi Ganor et Sharon Poliakine.

Tel Aviv Museum of Art, 27 Shaul Hamelech Blvd, POB 33288, The Golda Meir Cultural and Art Center, 61332 Tel Aviv, Israel.

Information pratiques et renseignements sur le site du Tel Aviv Museum of Art (en anglais).

santralinstanbul (c’est comme ça que ça s’écrit) est, pour le coup, plus qu’inspiré de la Tate Modern, puisque ce musée a ouvert dans une ancienne centrale électrique retapée, sur les bords de la Corne d’Or.

Il abrite depuis son ouverture fin 2007 un “musée de l’énergie”. Il s’agit grosso modo de donner accès à certains éléments préservés et “muséifiés” de l’ancienne centrale : turbines autour desquelles ont peut tourner, avec un système d’escaliers et de plateformes sur plusieurs niveaux. Centre de commande, avec des placards entiers de machines qui ressemblent à de vieux frigos des années 50, et qui doivent péniblement rassembler une fraction dérisoire de la puissance de calcul du premier iPad venu. Une section qui vaut surtout le coup pour les passionnés de vieilles machines et d’univers de SF rétro.

Plusieurs espaces ont ensuite été convertis en galeries et proposent diverses expositions “nationales et internationales”. J’ai quand même l’impression que l’exposition d’artistes locaux prédomine. En témoigne l’expo temporaire 20 Modern Turkish Artists of the XXth Century (“20 artistes modernes turcs du XXème siècle”).

Une expo globalement peu enthousiasmante, avec seulement quelques artistes et œuvres qui émergent. Je retiens essentiellement :

• Ergin Inan (né en 1943), et ses peintures à la veine kafkaïenne mais haute en couleurs.
• Yüksel Arslan (né en 1933), et ses univers cauchemardesques à la Jérôme Bosch, sauce “intello” (il ne se décrit pas comme un peintre, mais comme un “Illustrateur de la Pensée”).

Pour le reste, le bâtiment et les alentours valent le coup d’œil, les différents aménagements (restaurants, cafés, pelouses…) en font un lieu plutôt agréable où flâner le week-end. D’ailleurs les Stambouillottes y viennent entre amis ou en famille, avec de petits enfants, etc. Un stop possible à Istanbul, mais seulement après avoir visité Istanbul Modern.

santralistanbul, Eski Silahtarağa Elektrik Santralı, Kazım Karabekir Cad. No: 2 Eyüp 34060 İstanbul, Turquie.

Information pratiques et renseignements sur le site de santralistanbul (en anglais).

Classé dans:Canal artistique Tagged: 20 Modern Turkish Artists of the XXth Century, Art, art contemporain, Ergin Inan, exposition, Istanbul, peinture, santralistanbul, Turquie, Yüksel Arslan ]]> http://morningmeeting.fr/2011/06/05/20-modern-turkish-artists-of-the-xxth-century-du-11-mars-au-19-juin-2011-santralistanbul-istanbul-turquie/feed/ 0 morningmeeting Santralistanbul | Santralistanbul (c) Thomas Mayer 9 Grotesk Kafa, Ergin Inan, 2007 http://morningmeeting.fr/2011/05/22/istanbul-modern-istanbul-turquie/ http://morningmeeting.fr/2011/05/22/istanbul-modern-istanbul-turquie/#comments Sun, 22 May 2011 18:01:05 +0000 morningmeeting http://morningmeeting.fr/?p=2765 ]]>

Inauguré fin 2004 sur le modèle de la Tate Modern à Londres, Istanbul Modern est probablement l’un des meilleurs musées de la ville. Sa collection d’art contemporain n’a rien à envier à certains des “grands” musées d’Europe occidentale ou d’ailleurs.

L’espace de cet ancien entrepôt situé sur le Bosphore est vaste, et répond au cahier des charges de tout musée moderne et tendance qui se respecte : salles modulables accueillant des collections permanentes et expos temporaires, boutique, café restaurant, salle de projection, bibliothèque, etc.

Trois expositions sont à l’affiche en ce moment : les collections permanentes et leur prolongement New Works, New Horizons, ainsi que deux expos temporaires : Paradise Lost (25 mars au 24 juillet 2011) et, déjà terminée, Yao Lu’s New Landscapes (19 janvier au 22 mai 2011).

Des collections permanentes, on retiendra :

• Eye Catching 1, 5 et 6 (2003) de Jennifer Steinkamp. Une série d’arbres numériques, images fractales mouvantes grand format projetées sur les murs, véritable “nature artificielle” qui pulse dans la pièce.
• Northern Smoke (2007), Pae White : du numérique toujours, pour cette image digitalisée de fumée de cigarette, tissée à l’ancienne en un panneau de tapisserie géant de 228×731 cm.
• The Road to Tate Modern (2003), une vidéo de Erkan Özgen et Şener Özmen. Un film foutraque de 7mn45s, qui met en scène le périple à la Don Quichotte des deux artistes, traversant la Turquie à dos d’âne et de canasson, dans une hypothétique tentative de rallier la Tate Modern à Londres…

New Works, New Horizons présente une sorte de rétrospective de l’art moderne turc, du XIXème à nos jours. Expo à intérêt surtout historique et documentaire, qui montre des œuvres exécutées dans le style des cubistes, fauves ou surréalistes, par des artistes turcs venus se frotter aux “maîtres” français, ainsi que quelques créations contemporaines.

Une courte section est consacrée au photographe chinois Yao Lu, venu présenter ses “nouveaux paysages” (Yao Lu’s New Landscapes). Ses photos vraiment surprenantes composent des paysages “dans le style des peintures de paysages verts de la dynastie Song (960-1279)”. Il “Photoshop” lourdement ses clichés, utilisant notamment les grands filets verts employés dans le bâtiment pour recouvrir les chantiers, et ajoutant à ses clichés de la Chine d’aujourd’hui des détails typiques ou anachroniques : pagodes, maisons, embarcations, oiseaux, calligraphies…
Détail étrange, le commentaire de l’exposition présente les travaux de Yao Lu comme “empreints d’optimisme” : les filets et autres mises en scène de chantier rappelleraient une Chine en pleine croissance, qui se renouvelle sans cesse et fait peau neuve. Pourtant, à y regarder de près, certains détails Photoshop sont plutôt inquiétants : bâtiments qui s’effondrent, ruines, décharges de chantiers… On croirait plutôt avoir affaire à l’envers de la croissance et du miracle chinois : la pollution, le désordre urbain et écologique, etc. Commentaire erroné ? Confrontation irréconciliable des deux points de vue, chinois et occidental, de l’artiste et du spectateur ? Ou interprétation imposée, d’une manière ou d’une autre, par la censure chinoise, et plaquée sur une œuvre qui montre l’exact inverse ?

Enfin, Paradise Lost est probablement le plat de résistance de ce printemps 2011 à Istanbul Modern. Il s’agit d’une vaste expo temporaire rassemblant des artistes de toutes nationalités, et travaillant tous à nous donner leur vision d’un terre bouleversée, d’une nature “irrémédiablement endommagée”. Ici, ce sont les vidéos, les installations pleine salle qui dominent. On retiendra notamment :

• Migration (2008) de Doug Aitken, artiste d’origine californienne. Un film époustouflant de 24mn qui met en scène des animaux s’appropriant ces symboles de l’Amérique profonde que sont les chambres de motel (Super 8, Motel 6, etc.). La caméra, posée dans les chambres, épie les réactions de chacun des animaux sauvages de l’Amérique (buffle, castor, aigle, hibou, etc.) et les restitue avec un sens esthétique bouleversant. La bande-son, sobre et entêtante, vient renforcer la charge onirique et obsédante de l’ensemble. Un must.
• Apologies 1-6 (2007-2009) de Shaun Gladwell partage beaucoup de points communs avec cette Migration, et est presque aussi réussi. Il s’agit d’une série de films montrant un motard anonyme, entièrement vêtu et casqué de noir, s’arrêtant sur le bord des routes rapides de l’Australie profonde pour ramasser les carcasses de kangourous renversés par des véhicules. La caméra filme la route et le cadavre en plan fixe. Parfois, des voitures ou des “trains” de camions géants typiquement australiens traversent le paysage et s’en vont. Puis, le motard apparaît, s’arrête près du kangourou, et effectue une sorte de rituel connu de lui seul autour de la dépouille, avant de l’emmener hors cadre – probablement pour l’enterrer dignement dans le bush.
  Une critique, nous dit-on, de la fameuse performance Wie man dem toten Hasen die Bilder erklärt (Comment expliquer les tableaux à un lièvre mort) de Joseph Beuys, au cours de laquelle, en 1965, il s’adressait à un lièvre mort au cours d’un rituel complexe, mêlant inspiration chamanique et dérision du milieu de l’art. Chez Gladwell, la mort est bien présente, et les victimes réelles. Elles méritent donc des excuses (Apologies), et pas uniquement un rituel métaphysique et allégorique.

Istanbul Modern, Meclis-i Mebusan Cad. Liman İşletmeleri, Sahası Antrepo No: 4, 34433 Karaköy, Istanbul.

Information pratiques et renseignements sur le site Istanbul Modern (en anglais).

Hum, comment dire ? Une comédie musicale ? Sans moi, a priori… Mais heureusement, avec ce Sweeney Todd – Le diabolique Barbier de Fleet Street, on est bien loin des superproductions cucul à la sauce TF1, type Dracula ou le Roi Soleil.

Je me suis d’ailleurs décidé sur un malentendu : ayant vu il y a deux-trois ans Edward aux mains d’argent (mais c’était un ballet, non une comédie musicale) au Châtelet également, je pensais que ce Sweeney Todd était lui aussi inspiré d’un film de Tim Burton.

Pas du tout : la comédie musicale de Stephen Sondheim (datée de 1979) trouve son origine dans une pièce du même nom de Christopher Bond (1973), et précède largement le Sweeney Todd de Tim Burton (2007) qui est, lui, une adaptation de la pièce.

Dans toutes ces adaptations, l’argument est à peu près le même : un barbier injustement condamné au bagne par un juge qui espère ainsi s’emparer de sa femme revient à Londres, après 15 ans d’exil, et projette de se venger. Le tout serti dans une ambiance Jack l’Éventreur (l’action se déroule en 1870) du plus bel effet.

Première raison d’aller voir cette pièce, les décors sont somptueux (peut-être un peu moins variés que ceux d’Edward aux mains d’argent), l’atmosphère gothique londonienne assez bien restituée. Le théâtre du Châtelet est un bel écrin pour ce type de productions.

Seconde raison, malgré quelques envolées lyriques de ci, de là, l’ensemble reste sobre, dynamique, pas trop kitsch. Le chœur est utilisée de façon particulièrement efficace. Les échanges entre personnages principaux (le Barbier, le Juge, Mrs. Lovett…) sont justes et souvent plein d’un humour aussi noir que subtil. Il n’y a que le personnage de Joanna qui est un peu falot (mais c’est peut-être moi qui ai un problème avec les personnages féminins trop virginaux et victimistes…).

Troisième raison, l’univers noir et sans concession apporte une touche de radicalité à la pièce. Si tout est fait au début pour qu’on se range du côté de ce “pauvre barbier”, dont la vengeance paraît justifiée, les développements du personnage nous le montrent bien vite sous un jour nouveau : celui du “diabolique barbier”, ce qui ajoute de la profondeur à l’intrigue. Et pas de happy end cucul !

Quatrième et dernière raison, la pièce développe un rapport au temps intéressant – c’est un des mécanismes principaux de l’intrigue. Entre trop attendre et se précipiter, les personnages font rarement le bon choix, et semblent rattrapés par les conséquences de leurs actes (ou par la fatalité, en bonnes victimes du destin). C’est particulièrement le cas du Barbier, qui, après 15 ans de bagne, ne sait probablement plus très bien où il en est…

Sweeney Todd, le diabolique Barbier de Fleet Street, au Théâtre du Châtelet, Paris, du 22 avril au 21 mai 2011.

Information pratiques et renseignements sur le site du Théâtre du Châtelet.

Montrer les arts et les cultures “non-occidentaux”, pour reprendre l’expression utilisée par le musée du quai Branly, pose un paradoxe intéressant, de nouveau illustré par l’exposition Dogon (un peuple dont le petit “pays”, entouré de falaises, se situe aujourd’hui au Mali, près de la frontière du Burkina-Faso).

D’un côté, on est confronté à quelque chose de radicalement différent, si éloigné dans le temps, l’espace et la pensée, que cela ne peut être qu’exotique, voire hermétique. D’un autre côté, ces productions (statues, masques, objets rituels et objets de la vie quotidienne…) ont justement pour fonction de montrer, guider, initier et mettre en scène.

Bref, il y a beaucoup à voir, et de manière très démonstrative (couleurs, matières, motifs), et en même temps, on ne sait pas toujours ce que l’on voit. Les œuvres présentées font référence à des cosmogonies dont on ne sait pas si elles nous sont impénétrables (car saturées de symboles, de magie, de sens crypté…) ou trop familières (car au bout du compte, il est toujours question de création du monde, de sociétés humaines, de héros et de traîtres…).

L’expo Dogon adopte une réponse pragmatique.  Son fil directeur est la découverte de ces cultures, et leur reconstitution et classification par les ethnologues et anthropologues, à partir du XIXème siècle. Et, effectivement, comment rendre compte autrement de cultures et traditions vivantes, souvent orales, conçues à l’origine pour tout, sauf être exposées dans de grandes pièces blanches et chichement éclairées ?

Pour quelqu’un qui n’y connaît rien, comme moi, la meilleure façon de découvrir cette expo reste donc de flâner parmi l’importante quantité d’objets rassemblés (133 statuettes, 35 masques, 140 objets du quotidien, issus de collections privées et de musées du monde entier), et de recourir de façon ponctuelle aux cartons d’explications pour approfondir ce qui attire l’œil, et en particulier :

• L’art statuaire , et les nuances de style entre peuplades de chacune des “sous-régions” du pays Dogon,
• La “société des masques”, et les très belles pièces zoomorphes exposées (masque crocodile, renard, oiseau…). La place de chacun de ces masques, leur rôle dans la société Dogon sont également présentés de façon très accessible. Je regrette seulement que les masques ne soient pas plus nombreux : il n’y a “que” 35 masques, pour 133 statuettes (maintenant, il est vrai qu’ils sont en nombre limité et codifié dans la société des masques, ce serait difficile d’en inventer de nouveaux…)

Sans même se plonger dans la complexité du système de représentation du monde des Dogon, la fascination opère. On comprend pourquoi les Surréalistes adoraient aussi.

Exposition Dogon : musée du quai Branly, du 5 avril au 24 juillet 2011.

Information pratiques et renseignements sur le site du musée du quai Branly.

Rapide retour sur une des expos phares du moment : Piet Mondrian et le mouvement De Stijl, au Centre Pompidou, visite commentée par Frances Guerin (vous pouvez lire son propre compte-rendu, en anglais, en cliquant ici).

Principale réussite de cette exposition : rappeler que le travail de Mondrian ne se résume pas à ses  compositions géométriques (lignes et carrés, couleurs primaires). Mondrian ne sort pas de nulle part, et même si sa démarche l’a rendu singulièrement célèbre et “à part”. Il doit beaucoup à son époque : ambition de représenter le “monde industriel” du début du XXème siècle, travaux de Theo Van Doesburg (fondateur de la revue De Stijl et donc, avec la collaboration active de Mondrian, du mouvement artistique du même nom), etc.

D’abord peintre quasi “naturaliste”, de retour aux Pays-Bas aux alentours de la quarantaine, il évolue vers l’abstraction. Ses peintures s’assombrissent, toute couleur semble évacuée. Est-ce la grisaille du Nord ? On pense aux intérieurs extrêmement sombres peints par Van Gogh avant qu’il ne découvre le Sud de la France et ses paysages hauts en couleur.

Ce mouvement vers l’abstraction est pour Mondrian une façon de s’affranchir de la représentation, de développer, via l’épure, la simplification, un langage pictural simplifié mais d’autant plus puissant.

Tout cela l’amène à poser les bases du “néo-plasticisme” et à élaborer ses fameuses compositions géométriques utilisant la ligne droite et les couleurs primaires. On devine de ce recours aux couleurs primaires qu’il est comme l’aboutissement d’un travail sur la luminosité et la lumière, une dimension qui obsède Mondrian dès les origines. La lumière blanche n’est-elle pas comme la somme et la combinaison des couleurs primaires rouge, vert, bleu (c’est la synthèse additive) ?

Prises isolément, ces peintures peuvent laisser perplexes, juxtaposées (comme le fait judicieusement le Centre Pompidou), elles se répondent, dialoguent. Piet Mondrian insistait sur le caractère aléatoire du placement et de l’accrochage des œuvres.

Pourtant, il semble qu’il y ait du sens, qu’on nous présente là une partie d’un plus grand tout. Le cerveau veut reconstituer du sens. L’être humain est davantage irrité par une conversation téléphonique tenue par un voisin que par une conversation entre deux personnes physiquement présentes dans la pièce. Pourquoi ? Des scientifiques ont récemment prouvé que, dans le cas de la conversation téléphonique, le cerveau ne reçoit qu’une moitié de l’information (l’autre partie étant inaudible). Cela active une sorte de réflexe situé dans une zone quasi-reptilienne du cerveau : essayer à tout prix de reconstruire le sens général de la conversation, car ne pas tout saisir, tout comprendre, affole ce cerveau, le désoriente. Dans la nature, il peut en aller de la survie de l’individu…

Bref, nous voilà face aux tableaux de Mondrian comme face à une langue étrangère, un nouveau langage visuel au sens propre du terme. C’est cela qui nous désoriente et affole notre perception, notre jugement.

L’expo se clôture enfin par les nombreuses passerelles entre le mouvement De Stijl et l’architecture. Enfin une expo blockbuster qui fait plaisir. Visite conseillée.

Exposition Mondrian/De Stijl : Centre Pompidou, du 1er décembre 2010 au 21 mars 2011.

Information pratiques et renseignements sur le site du centre Pompidou.